Artistas Muestra Arte Sostenible

CRISTIAN GIL GIL

BIOGRAFÍA:

Cristian Gil Gil , 25 de noviembre de 1992, Albuixech (Valencia, España). Ha obtenido el Grado Profesional de Música en el Conservatorio Profesional de Música de Valencia y es Graduado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València donde posteriormente ha cursado el Máster Oficial en Producción Artística.

Actualmente, en la misma universidad, pertenece al grupo de investigación Nuevos Procedimientos Escultóricos, donde realiza la tesis doctoral sobre temas de arte y salud. Es miembro del departamento de Escultura como personal de investigación con contrato predoctoral FPU (Formación de Profesorado Universitario) concedido por el Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades del Estado Español y además ha extendido su investigación realizando una estancia internacional en el Institut Seni Indonesia Yogyakarta, en la ciudad de Yogyakarta, Indonesia.

Su investigación, reflejada en su propia obra plástica gira en torno a reflexiones sobre la naturaleza y el ciclo natural de la vida. Un ciclo en el que no siempre se muere por vejación sino por otras causas que aceleran rápidamente la muerte como pueda ser el cáncer. Vida, cuerpo, identidad, dolor, enfermedad y muerte se entrelazan para crear un discurso sobre la realidad que atañe inevitablemente al conjunto de la humanidad y que a través de su obra, principalmente escultórica, se desenvuelve plásticamente a través de la terracota, hierro, resina, y restos tomados directamente de la naturaleza.

Ha trabajado como dinamizador artístico en el IVAM (Institut Valencià d’Art Modern) en la performance ‘Respiración artificial’ dentro del proyecto expositivo de Dora García, en colaboración con Peio Aguirre, Respiración artificial. Performance. Eco oscuro y ha dirigido como profesor coordinador, el curso “Coastal Cleanup” organizado por el American Space y la UPV, entre otros. También, ha obtenido premios de fotografía y diseño de carteles y ha sido finalista premiado en la XX Mostra d’Art Públic de la Universitat de València y OliverArt (La Granadella, Cataluña), creando en ambas una escultura para el espacio público.

Ha participado en congresos nacionales e Internacionales como en el “International Conference on Narratives of Health and Illnes” en Tenerife, el “III Congreso Internacional de Espacios de Arte y Salud” en el Hospital Marina Salud de Denia y en seminarios como “La piel del discurso médico” organizado por la Universidad Internacional Méndez Pelayo en el salón de actos de la Diputación Provincial de Huesca.

Su participación en proyectos, entre otros, se ha reflejado en: la colaboración en la construcción durante cinco años consecutivos (2013-2017) de la Falla Experimental, Biodegradable y Biocombustible Grande e Infantil de la Falla Av. Tarongers Universitat Politècnica Camí de Vera; la participación en ARTIFARITI, dentro de los encuentros Internacionales de Arte y Derechos Humanos del Sáhara Occidental con Cooperación Internacional, realizando una intervención artística y social en la Wilaya de Bojador con Jaume Chornet y de la mano de Facultat de Belles Arts-UPV; la colaboración en el “Proyecto Oroneta”, inscrito en Acción Magistral-FAD de la UNESCO (Proyectos educativos en red), proyecto finalista autonómico por dos años consecutivos en el concurso “Premio a la Acción Magistral” Comunidad Valenciana. Por último su colaboración también se ha visto reflejada en el proyecto de investigación GPIX, proyecto de desarrollo y puesta en práctica de técnicas fotográficas para la captura fotográfica con resolución gigapíxel, con el objetivo dedocumentar y divulgar importantes obras del patrimonio pictórico.

Actualmente lleva a cabo diferentes encargos como: la creación de la escultura que homenajea a los fallecidos por cáncer infantil, de la mano de la asociación de la Comunidad Valenciana Aspanion y del Ayuntamiento de Valencia. Esta escultura, con su próxima ubicación en el Jardín de Viveros formará parte del patrimonio artístico y cultural de la ciudad. También lleva a cabo una escultura-monumento para el espacio público del pueblo Emperador y una serie de esculturas como galardón para una próxima convocatoria de personalidades ilustres  de los llamados Pobles del Nord de la ciudad de Valencia.

Continuamente, participa en exposiciones locales e internacionales, individuales y colectivas. Algunos de los espacios locales y nacionales de exhibición de su obra han sido: Atarazanas de Valencia, Sala de Exposiciones de la UPV, Casa de la Cultura de Puzol y Alboraia, Oceanográfico, Octubre CCC, Mercado de Colón de Valencia, Espai d’Art de l’Ajuntament de Benidorm, espacio urbano de Gata de Gorgos, espacio abierto de la Universitat de València-Campus de Burjassot, Facultat de Medicina i Odontologia de la Universitat de València, Centre de la Cultura de l’Oli de Catalunya, el Instituto Municipal de Cultura de Meliana yel Espai d’Art Contemporani de Castelló, entre otros.

Finalmente, cabe destacar internacionalmente la exhibición de su obra en la Maison du Arte de Tetouan (Marruecos), en la Resonance Gallery de Plovdiv (Bulgaria), en el centro cultural Taman Budaya de Yogyakarta (indonesia) y en el Arsenal de Venecia, resultado de su posición como finalista en el 11 Premio Arte Laguna en Venecia (Italia), la antesala de la Bienal.

OBRA: “AGÜLLES”

La naturaleza ha formado parte indispensable en mi crecimiento. Mi abuelo, que mientras vivió fue agricultor, me enseñó los diferentes procedimientos de cultivo de la huerta y el sistema de regadío que permite dar vida a la tierra y por consiguiente al ser humano. Gracias a estas raíces agrícolas hoy siento un fuerte vínculo con la naturaleza, un lugar entendido como el campo, el bosque, la vegetación y del que forma parte el cuerpo. Cuerpo y naturaleza no son palabras antagónicas. Somos lo que comemos y todo y cuanto nos rodea forma parte del cosmos al que pertenecemos.

En la naturaleza existe la descomposición orgánica y en este sentido aprendí que los mismos desechos naturales sirven de nutrientes para la propia tierra. En este sentido entiendo como todo está interconectado y reflexiono sobre el ciclo natural de la vida y la regeneración. Como la muerte da paso a una nueva vida.

En este ciclo natural de la vida, el ser nace, crece y muere pero a veces no muere por vejación sino por causas que aceleran rápidamente la muerte. En este sentido reflexiono sobre las enfermedades y todas las adversidades que ponen en jaque la vida del individuo. Concretamente desde la autobiografía, reflexiono desde la experiencia de la propia enfermedad que tuve a los 4 años Tumor de Wilms y metástasis pulmonares y hepáticas múltiples.

Más profundamente, en este tipo de esculturas las cañas como metáfora de las agujas crean una forma circular, una forma que en su conjunto abraza, separa el espacio íntimo del exterior y alude a la idea del nido y de la casa. Son espacios de cobijo, aparentemente como zona de confort donde uno se siente protegido y amparado pero no totalmente liberado de dolor.

ART AL QUADRAT

BIOGRAFÍA:

En el año 2002 nace el grupo artístico Art al Quadrat formado por Mónica y Gema Del Rey Jordà (Valencia, 2 de agosto de 1982). Son licenciadas en Bellas Artes en 2005 y tituladas en el Máster en Producción Artística en 2008 por la Facultad de Bellas Artes San Carlos de Valencia (UPV). Además desde 2013 Mónica es doctora en Bellas Artes por la misma universidad obteniendo el Premio Extraordinario de la UPV en 2014.

Disfrutan de varias becas decreación como las Hàbitat del Ayuntamiento de Castellón 2013/14 o Cultura Resident del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana para este mismo 2021, además de la Cátedra Arte y Enfermedadde la UPV acercándose a temas sobre ecología, alimentación y enfermedades crónicas. También han recibido becas de investigación como la FPU (M) 2008-12, sendas becas de excelencia UPV 2007 y 2010, las Becas Erasmus para estudiar en LahtiPolitechnicUniversityFinlandia en 2003 y Promoe en la Universidad de Guadalajara, México 2005.

Han realizado estancias y residencias en Barcelona (Fabra i Coats), Viena, Londres, Kassel y Santiago de Compostela (II Encontro de artistas novos 2012). Recientemente su obra ha sido galardonada con el Premio Nacional de Arte Joven Pancho Cossio 2014, Biennal de Arte de Mislata 2016, ArtsVisuals Can Felipa 2016, Primer premio en la XII convocatoria de Instalaciones de Mujer en el Centro Comarcal de La Cabrera (Madrid) 2017, Primer premio en el 2º Encuentro de artistas Villalart en 2017, Primer Premio ECOARTIST en el Festival VESOS en Valencia y Segundo Premio en el Certamen de Artes Plásticas Ciudad de Felanitx, 2018.

En la actualidad su obra esta marcada significativamente por la superación del trauma transgeneracional de la Guerra Civil española con obras que se centran en historias de mujeres trabajando mano a mano con familiares e historiadores/as como en Las Jotas de las Silenciadas, 2016; Al refugio, 2016, Yo soy. Memoria de las rapadas, 2018 (Museo Valenciano de la Ilustración y de la Modernidad) y De coros, danzas y desmemoria, 2020 (Centro del Carmen Cultura Contemporánea de Valencia).

OBRA: “POR SER LIBRES”

La represión de las mujeres por parte del franquismo es un hecho más que evidente, pero a la vez tan poco visible, que en la investigación sobre la represión se obvia, a causa de que no hay registros oficiales documentales y solamente perdura a través de los relatos orales de las supervivientes o testigos. Por lo cual estamos ante una violencia oculta con falta de reconocimiento que, por el contrario, trató que las mujeres, que habían transgredido su papel de feminidad tradicional, recibieran un escarnio público que las degradaba y humillaba frente a toda la población. Para lo cual, entre los castigos se les rapaba el pelo, se les daba de beber aceite de ricino y eran “paseadas” por las calles céntricas del pueblo o la ciudad.

Art al Quadrat, que en sus últimos proyectos se centran en la recuperación de la memoria a través de propuestas artísticas que ayuden a superar el dolor colectivo heredado, realizaron en 2017 la performanceYO SOY. Homenaje a las mujeres rapadas en el franquismo en Sagunto. Además de raparse el cabello una a la otra en homenaje a ellas, invitaron a la ciudadanía a donar un mechón de cabello, para formar posteriormente una columna de pelo de 21 metros y barrer simbólicamente las calles como hicieron anteriormente estas mujeres, en un gesto de empatía. Estas acciones ponen de relieve cómo desde el presente tenemos el poder redefinir cómo queremos recordar el pasado.

El proyecto lo presentan a través fotografías, vídeos y objetos que recuperan la imagen e identidad de mujeres que fueron rapadas. Con ese propósito, buscaronhistorias ynombres contactando con historiadores y familiares. No obstante, en el proceso de documentación, toparon con muchos casos de mujeres cuyos nombres no pudieron recuperar, así que apareció la necesidad, también, de trabajar sobre aquellas mujeres anónimas que sufrieron.

En la Muestra de Arte Sostenible se pueden ver dos obras derivadas de este proyecto. De las acciones en la calle, recuperan el resto del pelo cortado de las autoras que se ubica en una vitrina transparente franqueada por las imágenes de sus dos cabezas rapadas como resultado de la performance.Las artistas se representan, en ese sentido, como un canalpara recuperar la memoria y dignidad de estas mujeres, diluyendo su identidad hacia un plural mayestático y colectivo.

Por otro lado, también se muestra la serie fotográfica Por ser libres en la que se cuentan y recuperan 9 historias y nombres de mujeres que sufrieron este castigo. Cada imagen, reconstruida gracias a familiares, simpatizantes y las autoras mismas, nos narralos motivos por los que se las rapaba:

-Por ir a un mitin, como Dolores, Matilde y Teresa Palanca Sarió

-Por aprender, como Pilar Colomer

-Por auxiliar, como María Pérez Lacruz “La Jabalina”

-Por disfrazarse (de república), como Lola

-Por tomar el sol, como Natividad Gómez Sanchis

-Por dar de beber, como María Luisa Guillén y Cándida Mercado Rodríguez

-Por dar ánimos, como Milagro Domínguez

-Por hacer política, como Felicidad DoñateBau

-Por amar (vivir en pareja sin estar casada), como Matilde Pérez García

Todas estas causas, colocadas en paralelo, al igual que otras documentadas, destacan la idea de que se trataba en la mayoría de ocasiones, de mujeres que fueron represaliadas por tener capacidad de decisión, elección y por tener un pensamiento que no las encerraba en la figura de la mujer sumisa que promulgó el nacionalcatolicismo. En definitiva fueron castigadas por ser libres.

NANO PIA

BIOGRAFÍA:

Mi trabajo se basa en la relación del hombre con la sociedad, para ello utilizo temas de actualidad para conformar mis obras, que van desde la pintura hasta la instalación, pasando por la escultura y llegando hasta el grabado.
Suelo utilizar cualquier material, dependiendo de la técnica o disciplina elegida: lienzo, alambre, piedra, agua, etc. Para ello, me nutro del día a día, de una palabra, de una canción, del párrafo de un libro, del libro en sí mismo, de poesías, de noticias o de acontecimientos que suceden en nuestra sociedad.
En estos momentos, trabajo en varios proyectos nuevos derivados de la situación actual en el mundo y sus consecuencias medioambientales. Otros se han visto aplazados por éste mismo problema.

• Obras al óleo de gran formato, sobre temas de actualidad (los miles de refugiados que huyen de la guerra, la problemática del agua, la violencia de género, los desastres de la pandemia, etc.).
• El desarrollo una instalación relacionada con el material de protección sanitario (Covid-19) que ha acabado en la naturaleza y su consiguiente peligro para ésta.
• Un libro en colaboración con el Poeta Alfons Navarrate, sobre el confinamiento del Covid-19.
• Un proyecto de escultura sobre el impacto de la pandemia en las personas.
• Proyectos pendientes a causa de la pandemia, presentación de libro, exposiciones aplazadas, etc.
A través de mi trabajo, se intenta concienciar a la sociedad de que otro mundo es posible, o simplemente, hacerle pensar en ello.


Francisco José Pía Izquierdo (NANO) nació en Bétera (Valencia) en 1969. Es un artista visual que crea sus obras desde su ciudad natal, graduado en Bellas Artes con mención especial, en la Facultat de Belles Arts Sant Carles de la Universitat Politècnica de València.


Desde muy temprana edad, su obra se ha visto influenciada por la Gráfica, la magia de la Pintura y la tridimensionalidad de la Escultura. Conceptualmente, este artista trabaja desde y en situaciones que le entusiasman, sobre temáticas y contextos variados. Su obra plantea cuestiones acerca de las relaciones del ser humano consigo mismo, con la sociedad y su entorno natural. En la actualidad, desarrolla su labor como artista visual.


Ha participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas a Nivel Nacional e Internacional. Ha sido Semifinalista en Artbox NewYork 2018, dando el salto Internacional con su representación por parte de Artifact Gallery Manhatan New York en su programa Art UpClose y su participación en las Ferias Scope (Miami) Los Angeles Art Show, Architectural Digets Desing Show (New York), Artexpo (New York), y Monaco Yacht Show.
En este campo, se halla inmerso en diversos proyectos, como la preparación de su próxima exposición individual, relativa a acontecimientos recientes, y diferentes proyectos sobre las consecuencias de la Covid-19 a modo de diferentes representaciones artísticas, tanto en el ser humano como el impacto de ésta en la naturaleza

OBRA: “WOODCRY”

Lamentos que vienen desde el interior de la tierra, de las raíces profundas de una zona llena de conflictos. Cuya tierra se vende para salvar la cabeza de sus políticos, desprotegiendo con sus políticas su riqueza y gentes.
WOODCRY, trata de promover mediante, la metáfora del sonido de unos discos o rodajas de madera, cortadas de un tronco, del cual sale el sonido de cada árbol cortado por los intereses de los gobiernos, que debido a diversos intereses se empeñan en destruir un patrimonio rico en biodiversidad, causando un gran problema al planeta, que nos concierne a todos.
Esta obra esta construida sobre los márgenes de la percepción. La transformación de un espacio dentro de otro. Una búsqueda de la simplificación de la mirada, de los modos de percepción del mundo sensible.
En esta propuesta, tratamos de explorar e intentar transportar metafóricamente, los ecos físicos, la realidad material. La configuración y el impacto que genera la sociedad actual y como influye en el medioambiente.
Con ello se pretende hacer reflexionar al espectador, sensibilizar e intentar aportar iniciativas artísticas basadas en proyectos de sostenibilidad, ecología medioambiental y de biodiversidad.
Con esta instalación se pretende, en lo posible , concienciar a la sociedad de la importancia de preservar el hábitat y entorno natural y su desarrollo para un buen funcionamiento del planeta
Acentuar sobre la importancia que tienen los bosques para el planeta y los efectos que puede ocasionar, sin descuidar la forma y estética.
Intentar concienciar, involucrar y sensibilizar al espectador sobre que todos somos participes de lo que esta ocurriendo en estos momentos en el planeta y que sigue siendo un poco más conscientes, y que esto se puede paliar si todos participamos en ello, en nuestro día a día.
Esperemos que este estimulante escenario a modo de instalación, pueda fomentar la responsabilidad de este problema y provocar una reflexión sobre el impacto que puede provocar en nuestras vidas.
Con la finalidad de tratar el concepto y de la información de este problema al mayor numero de participantes posibles se añade un valor emocional a la hora de diseñar las partes que forman la instalación, utilizando un lenguaje expresivo directo, mediante el recurso escultórico de la instalación, como mediador para permitir potenciar la capacidad de integrar estas situaciones en los resultados artísticos en pro del beneficio de todos

CHIARA SGARAMELLA

BIOGRAFÍA

Chiara Sgaramella es artista e investigadora del Laboratorio de Creaciones Intermedia de la Universitat Politècnica de València. Su trabajo sondea las intersecciones entre prácticas colaborativas y arte relacionado con la ecología en el panorama contemporáneo. Ha sido visitingscholar en el Center for Creative Ecologies de la Universityof California (Santa Cruz, EE. UU., 2018). Actualmente forma parte del grupo de estudio interdisciplinar Presentes Densos. En torno a las artes de vivir en un planeta herido (IVAM, Valencia). Además, es integrante del Grup de treball sobre les ecologies híbrides de Delta del Llobregat (Barcelona).

Junto a la actividad académica, desarrolla proyectos artísticos, pedagógicos y de gestión cultural relacionados con temas socioambientales. Su trabajo ha sido expuesto en muestras de carácter internacional y surge de la hibridación de diferentes lenguajes y sistemas de conocimiento, planteando una reflexión crítica sobre problemáticas relacionadas con la agricultura, la soberanía alimentaria y la defensa de los territorios. Ha participado en residencias artísticas como Atlante Energetico en la Fundación SpinolaBanna (Italia, 2016-17), Bloom Again (Eleusis, Grecia, 2017), Resistències Artístiques del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana (2019-2021) y Groundworksforembedded Art Practices en la Fundación Pistoletto (Italia, 2021). Vive y trabaja en Valencia (España).

OBRA: AGROFUTUROS

La producción ecológica y la producción cultural no están reñidas porque son la misma cosa:

son alimentos esenciales para la vida

María Montesino

Esta serie de dibujos y estampas nace de una investigación sobre la agricultura, entendida como un espacio de coevolución en el que las comunidades humanas, animales y vegetales han ido generado a lo largo de los siglos formas de convivencia, cooperación y cuidado mutuo. En el actual escenario de crisis climática, ¿es posible transitar de una noción extractivista de la agricultura hacia modos de hacer más respetuosos del ecosistema, que permitan regenerar los recursos y la biodiversidad?¿Cómo podrían contribuir estas prácticas a plasmar otros saberes y otras relaciones micropolíticas en el territorio?

Partiendo del suelo como sustrato de las relaciones con el mundo más que humano y con la comunidad, las ilustraciones remiten al imaginario y a la cultura material rural como repositorio de inteligencia y creatividad, materializando una acción humana potencialmente reequilibradora. El uso de materiales naturales y técnicas no tóxicas responde a la voluntad de explorar la carga poética de los elementos orgánicos e integrar la práctica artística en lo ciclos naturales.

JESÚS POVEDA

BIOGRAFÍA:

Jesús Poveda (Valencia, 1973) es artista visual y diseñador gráfico. Se licenció en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, especializándose en pintura, y actualmente se halla cursando el Máster de Producción Artística en el mismo lugar. Su formación se complementa con otros títulos como el de Técnico Superior de Dibujo Publicitario en la especialidad de diseño y un postgrado en Dirección de Arte en Publicidad. Es así que, en el ámbito laboral, posee una gran experiencia en publicidad y comunicación, lo que hace que su obra artística se vea, en ocasiones, influenciada por una particular manera de percibir los nuevos medios y la tecnología.

La pintura, el diseño y el interés por la naturaleza en todas sus dimensiones son las claves sobre las que asienta su trabajo. Así, escoge el soporte de la obra de manera meticulosa, procurando el reaprovechamiento de materiales. Utiliza técnicas procedentes de la pintura contemporánea junto con estrategias comunicativas aprehendidas del diseño, como son la incorporación en sus composiciones de las ECOImágenes. A estas imágenes técnicas, a modo de símbolos y pictogramas, con origen en los medios digitales y otras veces producidas por él mismo, les aporta un nuevosignificado al extraerlas de su contexto. El propósito de esa extracción es que sirvan como unión entre diseño y arte para que ambas disciplinas diferentes entre sí juntas nos hagan percibir una mejor percepción y hacer mas creíble la necesaria educación y conciencia ambiental. Busca darle a la pintura una intencionalidad, un mensaje directo. Esta sútil pero potente transformación proporciona un nuevo significado que pretende hacernos reflexionar sobre nuestros intereses y arraigos en la sociedad que nos rodea con una mirada que parte desde el ecoarte.

Influenciado por la biomímesis, forja una estética propia que resulta en imágenes cargadas de simbología y que varían, según su soporte y objetivo, pero que siempre transmiten un mensaje claro: el arte, la ciencia y la tecnología deben hallar el equilibrio para lograr anhelados modelos de sostenibilidad.

OBRA: “SOS TERRIBLE”

‘Sos Terrible’ consiste en un conjunto de obras que pretenden, desde diferentes perspectivas, tratar las interrelaciones entre ciencia, arte y tecnología, al mismo tiempo que se ponen en valor otros modelos de sostenibilidad. En la obra de Jesús Poveda destaca la materialidad como eje central ya que a menudo reutiliza materiales y los convierte en soporte, como nuevas incorporaciones a la pintura contemporánea, buscando una austeridad en el proceso, frente al exceso de tecnología, imágenes y consumismo que caracteriza nuestras sociedades.

Este trabajo se configura en torno a diversas piezas pero, como eje central, nos presenta una serie de símbolos, motivos naturales, que se conciben desde la figuración pero buscando una abstracción que comunica de manera más directa. Estas representaciones surgen de estrategias procedentes del diseño como son las ECOImágenes, aunque se les dota aquí de una descontextualización intencionada para captar la manera de representar la conexión entre el ser humano actual y la naturaleza, caracterizada por los vaivenes, la rapidez y el consumismo más atroz. En este caso, el prefijo eco respondería a función comunicativa, aquella vinculada al sonido y que genera propagación, una imagen que se expande para, gracias a las tintas planas y composiciones efectivas, captar la atención y, de hecho, crear conciencia. Además, en esta parasíntesis explorada por el autor, la palabra sostenible recibe una mutación y se sustituye por terrible, un concepto que pretende hacernos inferir en esas situaciones en las que los equilibrios terrestres se balancean a raíz de algún cambio económico-social, impactando en el territorio, natural y colectivo, de una forma desmesurada.

La manera de codificar de Jesús Poveda le lleva, al mismo tiempo, a absorber los soportes convencionales para fundamentar la misiva de una manera más clara. A través de un gesto y trazo reconocibles, describe, desde su mirada estética, problemas como la desertificación y su impacto en el territorio, así cómo la conmoción generada en las vidas de aquellos que habitan esos entornos afectados. Al pensar en las relaciones entre ecología, política y sociedad, es inevitable referenciar ‘Las tres ecologías’ de Féliz Guattari, manual básico — y brillante análisis— sobre estos complicados pilares. En este ensayo se realiza un recorrido por grandes problemáticas sociales (todavía por solucionar) y la manera en que se imbrican con las transformaciones que sufre el planeta. En ‘Las tres ecologías’ se reclama la consecución de un verdadero cambio, una revolución que explica que la problemática medioambiental “además de a las relaciones de fuerzas visibles a gran escala, concierne a los campos moleculares de sensibilidad, de inteligencia y de deseo” y por alusiones intencionales, también al ámbito artístico. La revalorización de la pintura tiene aquí un papel clave, que se concibe desde la labor más manual y física. El proceso creativo varía según su objetivo, según la realidad que rodee al creador en ese momento.

Es así como Jesús Poveda, en una sociedad cada vez más trabada por nuevos medios, nos propone su mirada hacia lo natural, y nos lleva a reflexionar, pausadamente, desde la perspectiva de la biomímesis por la que los problemas se pueden llegar a resolver a través de la observación de la naturaleza. Sus obras generan una especie de meditación flâneur de lo natural que nos son cercanas por el uso de esos motivos simbólicos afines. Un proyecto que deambula entre la concienciación y la crítica, y que nos invita, sobre todo, a pararnos a observar la naturaleza, pretendiendo interpelar en lo que somos: sujetos colectivos que deambulan entre las contradicciones propias de nuestra cultura contemporánea.

ROSA MONTESA

BIOGRAFÍA

Rosa Montesa es una artista española que realiza obras de reciclado creativo utilizando principalmente residuos plásticos. 

Nació en Valencia, ciudad en la que vive y trabaja. Reciclar creativamente es una filosofía de vida que aprendió desde bien pequeña. Criada en una familia numerosa, lo normal era aprovechar todo y no desperdiciar nada. Lo del plástico le viene por su padre, él tenía un taller de plásticos, donde ella jugaba y se entretenía con los retales de plásticos de colores. Se convirtió en un material imprescindible en su aprendizaje y lo utilizaba mientras iba creciendo su creatividad. 

Rosa siempre se ha sentido fascinada por los materiales, por sus cualidades y por su potencial para llegar a convertirse en algo diferente. Estudió Diseño de producto, por esa razón tiende a observar los objetos desde el punto de vista de su diseño, pero tan interesante es para ella apreciarlos por lo que son, como por lo que pueden llegar a ser o para lo que podrían servir antes de ser descartados. 

Mientras terminaba sus estudios, Rosa comenzó a trabajar en un ámbito laboral poco relacionado con el diseño. Un largo paréntesis en el que la creatividad y el reciclado no paró, pero se limitó al ámbito doméstico. Cuando nacieron sus hijos, su pasión comenzó a compartirla fuera de casa: en el colegio de sus hijos, en eventos infantiles o en la realización por encargo de pequeñas piezas.

Esta explosión creativa llegó a tal punto, que las personas de su entorno le pedían que impartiera talleres en colegios y eventos. Las cápsulas de café, las hueveras de cartón, las latas de refresco, los tapones, las bolsas o las botellas se convertían en la materia prima para realizar impactantes y divertidas piezas para pequeños y mayores. 

A mediados de 2013 decidió compartir estos proyectos en internet, subió video tutoriales a su canal de YouTube de Reciclado Creativo. El objetivo de este canal era mostrar sencillos procesos de reciclado y reutilización de residuos de uso corriente, transformándolos en nuevos objetos. En la actualidad sus vídeos han tenido más de 30 millones de visitas y sus 150.000 suscriptores son de diferentes nacionalidades de todo el mundo.

Esta faceta como generadora de contenido en internet le sirvió para experimentar y aprender a trabajar diferentes materiales de descarte. Además, la plataforma de vídeos le sirvió para que particulares, empresas, escuelas, institutos y otras organizaciones conocieran su trabajo y contactasen con ella para la realización de instalaciones, para impartir talleres o para crear obras y esculturas con material reciclado. La mayor parte los trabajos que realiza son por encargo y a medida, y en muchas ocasiones son los propios clientes los que proponen los materiales descartados que pueden ser relevantes para realizar las obras o los talleres.

Las obras de Rosa son una parte de su historia, ella las crea para que quienes las observan se sientan impactados, y que puedan comprender el ciclo de vida de los objetos y los materiales, que perciban la conexión entre la artista y el material que utiliza, se trata de un intercambio que abre la puerta a muchas posibilidades.

Recuerda ver a su madre haciendo magia, ella era pequeña y veía como tejía un jersey, con el tiempo, cuando se quedaba pequeño o se rompía, lo deshacía y tejía uno nuevo que todavía era más bonito que el anterior. Esta magia no se limitaba a tejer, la costura era su especialidad, hacía verdaderas obras de arte convertidas en prendas de ropa. Algo que aprendió de la abuela de Rosa, que cuando se instaló en la ciudad de Valencia como modista, después de la Guerra Civil, en una época de gran escasez, triunfó transformando los uniformes de los maridos de sus clientas en ropa para ellas.

Podría decirse que esta obsesión por valorar las cosas, y no despreciarlas, es un legado familiar. Era de esperar que la artista se sintiera atraída por la reutilización y el reciclado creativo.

Conforme fueron creciendo sus hijos, comprendió que había heredado la formidable magia de su madre y de su abuela.

Esta especie de magia no es extraordinaria, la naturaleza se comporta así. Todo se transforma, nada se desperdicia. Hoy en día, a esta magia se le ha bautizado con el nombre de Upcycling, Cuando todavía ni existía la palabra, en su familia ya era una filosofía de vida que quedó grabada a fuego en la artista.

OBRA: NATURALEZA PLÁSTICA

Mi labor consiste en crear piezas únicas a partir de material reciclado utilizando principalmente residuos plásticos.

Este árbol es una obra que pertenece a mi serie ‘Naturaleza Plástica’, en la que trazo una conexión entre restos naturales, como ramas y troncos, y residuos generados por nuestra sociedad, como envases de plástico. Con obras como este árbol pretendo que quienes lo observan se sientan impactados y comprendan los diferentes ciclos de vida: la vida circular que se produce en la naturaleza y la vida lineal de los objetos fabricados. 

En la naturaleza nada se desprecia y todo se transforma. El tronco de un árbol sin vida es alimento para insectos, cobijo para animales o leña para los humanos, es un ciclo de vida circular. Sin embargo, los objetos fabricados con recursos de la naturaleza suelen tener un ciclode vida lineal, que después de su corto tiempo de uso, acaban en el medio natural, provocando daño a la propia naturaleza de la que provienen, es lo que sucede con los plásticos.

Mis obras pasan por diferentes fases hasta ser lo que son. Conseguir el material requiere rescatar envases, limpiar y almacenar; es una tarea que pasa desapercibida, pero resulta imprescindible para poder desarrollar mis ideas.

Para la serie ‘Naturaleza Plástica’ he necesitado cientos de envases de plástico, su tamaño, forma y color definen el resultado de las obras. Con el material disponible comienzo a desarrollar ideas. Aunque en ocasiones, el proceso se invierte, tengo clara una idea y entonces he de buscar los materiales necesarios. Una vez superada la fase del rescate del material y de la generación de ideas, me pongo a trabajar con las manos, he de transformar el plástico y para ello utilizo tijeras, sierras, taladros o pistolas de calor, entre otras herramientas. 

En mis manos tengo la posibilidad de crear obras que hagan reflexionar, pero en la conciencia de cada uno queda la responsabilidad de lo que estamos haciendo a nuestro planeta. 

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